Урок рисования. Цветок акварелью

Природой бережно спелёнатый,

Завёрнутый в зелёный лист,

Растёт цветок в глуши нетронутой,

Прохладен, хрупок и душист.

С. Маршак

За многовековую историю мирового искусства было изобретено большое количество стилей и подходов к рисованию цветов. Эти подходы так разнятся, что, кажется, они к живописи не имеют никакого отношения. Однако именно они легли в основу мирового искусства — ведь не техника и стиль определяют удачность выражения, а лёгкость, виртуозность и эстетика, за которой обычно стоят годы кропотливого труда. Невесомость и благоухание лепестков может передать лучше всего виртуозный мастер.

Один из таких неординарных и виртуозных подходов — традиционная живопись Японии, где ещё со времён средневековья стало популярным течение сайбокуга (или суми-э). В нём использовались тушь и акварель, при этом передавалась игра светотени на предметах, но не было контурных линий.

Кардинально отличается подход русских художников-передвижников, которые перешли от классической манеры изображения к передаче настроения и своего впечатления. Такая живопись тогда многим казалась неумелой и грубой. Но с течением времени оказалось, что именно такой подход в состоянии передать насыщенную атмосферу знойного дня и благоухание терпкого аромата цветов.

  Константин Коровин

Для меня изображение цветов до сих пор является одной из самых сложных тем. Внешняя лёгкость сюжета обманчива, на самом деле он требует много практики. И это несмотря на то, что для изображения цветов точно так же понадобятся основные знания модуляции объёма и тепло-холодные отношения света и тени.

Для начала изобразим ирис акварелью в классической манере.

Вначале контуры цветка нужно прорисовать простым карандашом на акварельной бумаге.

Нужно сказать, что любое изображение – это в какой-то степени плод вашей фантазии. В любом случае вам всегда придется искать манеру, образ, как представить цветок зрителю. Так как сама постановка может выглядеть совсем иначе того, что вы хотите нарисовать. Одним словом, вам предстоит придумать, как именно вы будете копировать изображаемый предмет.

В моём случае за основу я взяла вот эту фотографию.

Когда контуры цветка набросаны карандашом, можно приступать к основным этапам работы акварелью. Вначале лёгкий тон наносится на самые тёмные стороны и лепестки предмета. Обозначаются основные объёмы. Это называется подмалёвок. Если в результате общий вид наброска по гармонии вас вполне устраивает, можно приступать к дальнейшим шагам, что называется, — «набирать цвет».

Когда «цвет набран», приходит черёд формирования объёмов. Для этого на лепестках формируются тени холодных оттенков, так как холодные оттенки визуально удаляют. Именно эффект удалённости и формирует визуальный объём предмета.

Как можно заметить, пока наше изображение выглядит вполне контрастно из-за того, что цвет мы «набрали», тени «посадили», а полутонов на светлых частях предмета нет. Это следующий этап работы.

Далее тон накладывается на светлые части предмета, а самые светлые места остаются незакрашенными. Ведь в акварели нет белого цвета, и белым тоном служит сама акварельная бумага.

После этого можно переходить к заключительному этапу – прорисовывать детали. Где-то усиливать тени, дорабатывая изображение. Но не стоит увлекаться — можно перестараться и «замучить» работу. Это особенно хорошо видно на примере изображения цветов. Также не рекомендую копировать изображение в точности, как наш глаз его видит, на мой взгляд, лучше сочетать принципы японской живописи с законами классического изображения предмета. А именно, какие-то части предмета практически не закрашивать, чтобы они, уходя «на нет», растворялись в пространстве. А на какие-то лепестки на первом плане, наоборот, нанести глубокие тени и подчеркнуть детали. Таким образом, изображение на первом плане будет казаться ещё более объёмным и приближённым.